Wpisy

Artysta i jego marka

Dlaczego niektórzy twórcy odnoszą większe sukcesy niż inni? Czy artysta znany jest bardziej utalentowany? Odpowiedzią jest dobra marka. Dla odbiorcy jesteśmy skojarzeniem, odczuciem i wartością. 

W obecnych czasach, nawet tak efemeryczna dziedzina jak sztuka, jest zależna od marketingu i promocji, a silna marka stanowi fundament sukcesu. Jest symbolem, który automatycznie wyzwala skojarzenia w konsumencie. Pozycja na rynku zależy przede wszystkim od godnej zaufania marki, która jest narzędziem komunikacyjnym. Artyści, którzy jej nie posiadają, mogą być znani tylko przez innych twórców czy specjalistów w swoim kręgu. Taki stan rzeczy utrudnia rozwój kariery. Marketing rządzi światem sztuki, jednak artysta powinien zajmować się przede wszystkim tworzeniem i powierzyć specjalistom sprawy związane z promocją. Autentyczność, oryginalność i profesjonalizm, są kluczowe, jeśli chodzi o budowanie wizerunku. 

Podobnie jak twórczość, marka wypływa z nas samych. Dlatego indywidualność jest tak ważna. Jeśli dobrze znamy siebie, każdy nasz wybór jest charakterystyczny i niepowtarzalny, bo jest odbiciem naszych przekonań. 

Jeśli pozostajemy autentyczni, możemy inspirować innych. Wtedy stajemy się kimś w rodzaju autorytetu. Czy sami często nie zastanawiamy się, co zrobiłby ukochany pisarz czy muzyk na naszym miejscu? Jakich używa produktów? Którą książkę polecał? Właśnie taką osobą chcemy się stać. Spójną, wiarygodną i wywołującą w odbiorcach pozytywne emocje. 

Nikt nie zainwestuje w artystę anonimowego. Mocna marka stabilizuje pozycję na rynku, ułatwia dokonanie wyboru krytykom, inwestorom i kolekcjonerom. Mechanizm działa tak samo jak w ekonomii. Marka ułatwia zakup, a dzieła sztuki są formą lokowania kapitału. Silna marka ma swoich odbiorców, jest rozpoznawalna oraz dochodowa. Obserwując rekordowe aukcje, widzimy jak luksusową dziedziną może być sztuka. Jednak nic nie dzieje się przypadkowo. Inwestorzy kierują się analizą danych, aby upewnić się, co do wartości przyszłego zakupu. (Polecamy obszerny wywiad na temat budowania marki)

Świat sztuki bywa hermetyczny, przez, co nie wszyscy artyści, którzy są w nim uznawani za sławy, przedostają się do mainstreamu. Barierą jest brak zrozumienia ze strony odbiorców i zbyt trudny język jakim posługują się współcześni twórcy w swoich dziełach. Mimo tego, wielu z nich zaistniało w świadomości społecznej. 

Według Modelu Bownessa, który był dyrektorem Tate Modern w Londynie, rozpoznawalność artysty zaczyna się od kręgu twórców, następnie przechodzi w świat kolekcjonerów, krytyków, a na samym końcu dociera do odbiorców.

Jeśli chodzi o Polskę, pojawia się także problem słabego dofinansowania ze strony państwa. Miasta, z których pochodzili sławni artyści, często nie doceniają wpływu sztuki na branding. Szczycą się lokalnymi twórcami, jednak bez przełożenia na większe projekty i inwestycje, przez co jednym z czynników mających wpływ na silną markę jest rozpoznawalność za granicą i dzieła na wysokim poziomie. 

Zatem jak budować markę artystyczną? 

Po pierwsze nie osiągniemy nic bez wartościowego produktu. To, co tworzymy powinno dążyć do coraz większej wirtuozerii. Im lepszy produkt, tym łatwiejsza promocja. Kolejnym kluczem jest inwestycja w swój biznes. Zarówno artyści jak i galerie, potrzebują budżetu jaki mogą poświęcić na reklamę, PR, prowadzenie social mediów i komunikację. Inwestycja w silną markę jest krokiem, bez którego zaistnienie w świecie sztuki jest mało prawdopodobne. Pieniądze powinny się zwrócić, jednak wymaga to znalezienia specjalistów, którzy wykonają odpowiednią pracę.

Analiza i miarowa praca są drogą do sukcesu, a dobra marka wymaga planowania. Jako początkujący artysta, możemy nie wiedzieć, jak zdefiniować odbiorcę i jego potrzeby. Tym samym trudno nam będzie opracować cele na przyszłość. 

Pandemia sprawia, że wszystkie działania przechodzą do wirtualnego świata. Jeśli chodzi o promocję, najlepiej działają social media, które są fundamentem dla marki. Facebook czy Instagram dają świetnie efekty zarówno dla twórców odnoszących sukcesy, jak i tych początkujących. Bardzo ważne jest pierwsze wrażenie. Szukając inspirujących artystów w Internecie, skupiamy się na ich oryginalności, profesjonalizmie i spójności przekazu. Jeśli dzielą się treściami, które poszerzają horyzonty, stają się częścią naszego życia. Codzienny wpis, który skłania do refleksji sprawia, że osoba jest nam bliska i poświęcamy jej czas.

Jak się promować? 

Czym jest marka artysty?

Po pierwsze zdefiniować to, jak chcemy być postrzegani. Następnie z pomocą agencji marketingowej ustalamy plan działania. Czasy pandemii zmuszają twórców do funkcjonowania w sieci, a social media są najbardziej skutecznym sposobem na wypromowanie sztuki w Internecie. 

Wielu artystów zaczynało od Instagrama, co pokazuje niesamowity zasięg tej platformy. Jednak nie wystarczy kilka zdjęć w miesiącu. Śledząc konta, które odniosły największy sukces, można zauważyć jak często pojawiają się na nich nowe treści. Niektórzy malarze w ten sposób rozpoczęli swoją przygodę z projektowaniem ubrań czy artykułów do wystroju wnętrz.

Social media umożliwiają także bezpośredni kontakt z artystami, z którymi chcielibyśmy współpracować. Dlatego tak ważna jest wymowa naszych postów, które powinny być ciekawe, zwięzłe i angażować odbiorcę do dialogu. 

Wspaniałym przykładem skutecznego marketingu jest Sevdaliza. Piosenkarka, producentka muzyczna właścicielka wytwórni płytowej i reżyserka. Zbudowała swoją markę od zera. Perfekcjonistka, która własną pracą zdobyła sukces. Wzbudza zaufanie bo jest szczera, mówi o słabościach, depresji, a mimo tego nie zatrzymuje się w procesie twórczym. Identyfikuje się z mniejszościami oraz artystami, którzy działają motywowani sztuką, a nie zyskiem. Jej wpisy są krótkie, ale poetyckie, często filozoficzne i nawiązujące do problemów społecznych. Działa niezależnie, a swój spójny wizerunek tłumaczy po prostu autentycznością.

Marketing doświadczeń 

Badania udowadniają, że marketing wkracza na nowy poziom. Konsumenci są wierni firmom, których doświadczają w wielostronny sposób. 

“Schmitt (1999) stwierdził, że doświadczenie marki ma charakter holistyczny i obejmuje pięć kategorii – sensu, odczuwania, myślenia, działania i odniesienia – które przedstawiają strategiczne moduły doświadczenia.”

Możemy zatem wywnioskować, że odbiorca potrzebuje odczuwać przynależność do grupy, która utożsamiaja się z takimi samymi wartościami jak on. Kiedy obcuje z naszym produktem, powinien być dumny i czuć, że się rozwija. Poza tym zaangażowanie intelektualne jest także istotne. Jeśli komunikaty skłaniają nas do myślenia czy dyskusji, jesteśmy bardziej lojalni wobec marki. Nie kupujemy, dlatego, że zobaczyliśmy reklamę. Ludzie chcą świadomie decydować o wyborach konsumenckich.

Do nowych strategii zalicza się także marketing szeptany. Chętniej kupimy produkt polecony nam przez znajomych. Dlatego tak ważne jest dbanie o poziom komunikatów. Grupa pozytywnie nastawionych odbiorców jest najlepszą reklamą. Marketing szeptany pozwala na intymniejsze relacje z konsumentem. Zjawisko jest dobrze widoczne przy sprzedaży biżuterii handmade, kosmetyków naturalnych czy printów artystycznych. Jeśli konsument został potraktowany z szacunkiem, a nasza marka nie jest jeszcze dobrze znana, to marketing szeptany może być najłatwiejszą drogą do sukcesu.

Strategie marketingowe w instytucjach kultury

Dlaczego instytucje kultury potrzebują własnej strategii marketingowej? Dobrze zdefiniowana strategia nie tylko przyczyni się do promocji instytucji i wydarzeń z nią związanych, ale również ułatwi wypełnienie misji, którą dana placówka reprezentuje. Główną misją jest promocja kultury i sztuki oraz edukacja w tym zakresie. Kolejnym celem, choć pobocznym dla niekomercyjnych placówek, jest dochód ze sprzedaży biletów, publikacji, pamiątek oraz dzieł sztuki. Jak więc przyciągnąć do siebie i zatrzymać na dłużej odbiorców?

Poznanie odbiorcy

Nie ulega wątpliwości, że każda instytucja kultury powinna na początku budowania strategii zdefiniować odbiorców, których chce zainteresować swoją ofertą kulturalną oraz edukacyjną. Jednym z podstawowych kryteriów doboru odbiorców jest wiek. Najbardziej korzystną koncepcją wydaje się być dywersyfikacja odbiorców i stworzenie przez instytucję osobnej oferty kierowanej dla różnych grup wiekowych.

Dzięki dobrze zbudowanej strategii marketingowej można określić swoją grupę docelową i stworzyć warsztaty edukacyjne czy wystawę, które zainteresują i przyciągną konkretne jednostki lub całe grupy odbiorców.

Strategie marketingowe w instytucjach kultury

Korzystanie z nowych technologii i interakcje

Strategie marketingowe w instytucjach kultury

W coraz szybciej rozwijającym się świecie mediów i technologii, nowoczesne instytucje kultury nie mogą pozostawać w tyle. Obecność w social mediach, profesjonalna oraz interaktywna strona internetowa, stały się niezbędne, aby muzea czy galerie sztuki były traktowane, jako profesjonalne ośrodki kultury, które w przystępny i ciekawy sposób, informują swoje grupy docelowe o nowych wystawach, warsztatach oraz innych wydarzeniach kulturalnych. Instytucje odrywają się tym samym od stereotypowego postrzegania muzeum, jako przestrzeni hermetycznej, jednowektorowej, w której odbiorca jest często tylko biernym obserwatorem eksponatów, a nie aktywnym uczestnikiem wchodzącym w interakcję z multimedialnie przedstawioną narracją wystawy.

Dzisiejsze muzea stają się centrami kultury, w których po wiedzę sięga się aktywnie, nie tylko prezentują one historię, ale również wychodzą w teraźniejszość i przyszłość kreując programy edukacyjne, centra dialogu oraz warsztaty. W Polsce interaktywnych muzeów jest wiele i warto chociażby wspomnieć o Muzeum Powstania Warszawskiego, Muzeum Polin, Muzeum Fryderyka Chopina, czy Muzeum Sztuki Współczesnej Moccak, choć lista interaktywnych instytucji kultury, chociażby w naszym kraju, jest dużo dłuższa i warta uwagi. W Muzeum Polin wystawa stała materializuje tysiąc lat historii w formie scenografii, na które składają się tematyczne galerie z elementami interaktywnymi, natomiast wystawa czasowa zmienia się i daje możliwość pełnego wypełnienia misji muzeum, a więc przywracania pamięci o historii Żydów polskich oraz wizji, którą jest bycie nowoczesnym centrum kultury i edukacji oraz centrum dialogu. Trzecim filarem jest centrum edukacyjne i bogata oferta warsztatów edukacyjnych dla grup szkolnych, dzięki którym nauczana jest nie tylko historia, ale również tolerancja i wzajemne zrozumienie w szerszym kontekście społecznym. 

Dla muzeów, które często opowiadają o historii, oferta edukacyjna jest podstawą ich działań. Jak natomiast przybliżyć ludziom sztukę i poprzez odpowiednio dobraną strategię marketingową zachęcić ich do regularnego odwiedzenia galerii sztuki, które, na tle często przepełnionych muzeów, nie są postrzegane jako inkluzywne instytucje mogące zainteresować szerszą grupę odbiorców? Rozwiązaniem tego problemu może być wyjście do społeczności i otwarcie się na nowych odbiorców, a więc community partnership.

Community Partnership, jako forma aktywizacji w wydarzeniach kulturalno-artystycznych

Elementem strategii nowoczesnej instytucji kultury jest stworzenie community partnership, czyli budowa relacji z najbliższym otoczeniem, społecznością lokalną, integracja i odpowiadanie na potrzeby danej społeczności.

Świetnym przykładem takiego wyjścia do społeczności stały się trzy projekty stworzone przez Muzeum Piłsudskiego, które dały możliwość osobom mieszkającym w sąsiedztwie muzeum na włączenia się w przygotowanie kompleksu muzealnego przed jego otwarciem. Działania otwarte na szerszą publiczność i zachęcające do obcowania ze sztuką w przestrzeni publicznej realizowane są przez Instytut Kultury Miejskiej w Gdańsku oraz Gdańską Galerię Miejską – w ramach działań terenowych prezentują w przestrzeni publicznej instalacje artystyczne, projekcje wideo oraz przedstawienia teatrów ulicznych. Dzięki temu sztuka wychodzi na zewnątrz, poza mury galerii i wchodzi w interakcję z miastem oraz jego mieszkańcami każda edycja festiwalu artystycznego odbywa się w innej dzielnicy miasta. Sztuka wizualna jest umiejscowiona w konkretnej tkance miejskiej, z którą współistnieje i  której staje się częścią.

Ważnym staje się również sam proces przygotowania festiwalu, który powstaje przy udziale mieszkańców. Poprzez warsztaty i konsultacje mieszkańcy są aktywnie włączeni w tworzenie projektu, który uwzględnia ich pomysły, uwagi oraz sugestie. Ważny staje się również temat festiwalu i cel instalacji artystycznych, dlatego też festiwal nawiązuje do miasta i jego dzielnic oraz mieszkańców. Instalacje stają się częścią budynków, zostają wplecione w miejskie zabudowania, uliczki oraz parki. Dzielnica, w której odbywa się dana edycja festiwalu nie jest tłem, lecz występuje w roli głównej. Mieszkańcy mogą na nowo odkryć ciekawe zakątki miasta, historyczne miejsca, nieodwiedzane wcześniej zaułki, biorąc udział w artystycznym wydarzeniu. Dla wielu to niecodzienne doświadczenie staje się odkryciem takiego wymiaru sztuki jakiego wcześniej nie znali oraz otwarciem na nowe doświadczenia. Pozwala to zrozumieć, że sztuka jest umiejscowiona w konkretnym kontekście w którym istnieje, odpowiada na problemy oraz wyzwania, opowiada pewną historię oraz pobudza kreatywność odbiorcy.

Dla galerii sztuki działania ze społecznością lokalną stają się ważnym elementem wypełniania wizji oraz misji danej instytucji. Dzięki temu galeria sztuki staje się inkluzywna, nawiązuje relacje z otoczeniem, w którym funkcjonuje i odpowiada na jego potrzeby. Staje się częścią tkanki społecznej, a nie istnieje obok. Wypełnia misję nie tylko popularyzacji sztuki, ale również rozbudzenia kreatywności i aktywnego włączenia uczestników festiwalu artystycznego w proces twórczy. Galerie sztuki oraz instytucje kultury coraz częściej współpracują z różnorodnymi grupami społecznymi. Taką grupą społeczną są na przykład seniorzy, których aktywizacja poprzez udział w wydarzeniach kulturalnych oraz warsztatach sztuki pomaga im w pełniejszym i szczęśliwszym przeżywaniu starości. Warto zwrócić również uwagę na współpracę instytucji kultury z mniejszościami etnicznymi i na znaczenie, jakie niesie to dla utrwalenia ich dziedzictwa kulturowego.

Silna współpraca instytucji kultury ze społecznościami lokalnymi oraz rozwój nowych środków przekazu zmienia zarówno rolę sztuki jak i artysty we współczesnym świecie. Interakcja medialna między instytucją kultury a konkretną grupą docelową, do której adresowane jest wydarzenie kulturalne, staje się ważnym elementem procesu popularyzacji kultury i sztuki oraz dotarcia do jak najszerszego kręgu potencjalnie zainteresowanych odbiorców. Dzięki takim działaniom popularyzacji ulega sztuka, która może wchodzić w interakcje i oddziaływać ze społecznościami lokalnymi przyczyniając się tym samym do większej integracji społecznej.

Rola agencji medialnej w popularyzacji kultury i sztuki

Na przestrzeni lat Internet stał się podstawowym środkiem marketingu sztuki. Kultura stała się ważna w powiązaniu z wieloma dziedzinami życia społecznego o czym wspomina George Yúdice w książce The Expediency of Culture: Uses of Culture in the Global Era pisząc o roli kultury, która została rozszerzona na politykę i ekonomię. W tym kontekście należy wspomnieć o polityce kulturalnej, która zaczęła kształtować się poprzez politykę państw podejmujących działania w dziedzinie sztuki oraz tożsamości kulturowej. Obecnie również prywatne agencje marketingowe zajmują się popularyzacją kultury oraz sztuki przez co integracja sztuki oraz biznesu stała się realna.

Strategie marketingowe w instytucjach kultury

Instytucje państwowe kładą nacisk na popularyzację kultury oraz sztuki niekomercyjnej w kontekście zachowania kulturowego dziedzictwa narodowego, podczas gdy agencje medialne mogą popularyzować sztukę komercyjną, docierać do nowych grup odbiorców i dywersyfikować swoje działania poprzez nowoczesne kanały medialne oraz ułatwienie dostępu do kultury. Agencja medialna jest odpowiedzialna za popularyzowanie kultury i sztuki poprzez odpowiedni marketing wystaw, festiwali artystyczno-kulturalnych oraz innego rodzaju przedsięwzięć, takich jak warsztaty edukacyjne na przykład poprzez kanały mediów społecznościowych, strony internetowe o tematyce kulturalnej oraz plakaty w przestrzeni publicznej i ciekawe kampanie outdoorowe (realizowane na zewnątrz).

Strategie marketingowe w instytucjach kultury

Poza poprawą dostępności do kultury, ważne jest również wytworzenie większego popytu na dobra kultury i sztuki w celu jej popularyzacji. W teorii ekonomii zasadniczym uwarunkowaniem popytu jest cena, a więc teoretycznie tańsze bilety do teatru powinny zachęcić większą liczbę ludzi do ich kupienia i tym samym pójścia na spektakl. Czy jednak rzeczywiście w przypadku rynku kultury i sztuki wyłącznie cena będzie miała wpływ na kształtujący się popyt? Krzysztof Malczyk w książce Kultura i Rynek, odwołuje się do znanego ekonomisty Davida Throsby, który uznał jakość wydarzeń za ważniejszy czynnik kształtujący popyt w dziedzinie sztuki niż cena. Artyści, będąc świadomi tej zależności, stworzyli platformę SAA (The Society for All Artists), na której uczą się i dzielą kreatywnością w wielu formach, między innymi poprzez wymianę inspiracji, trendów oraz materiałów artystycznych tworząc wspierającą się społeczność twórców nastawioną na działania mające na celu podniesienie jakości sztuki, którą tworzą kultywując tym samym popyt na dzieła sztuki. 

Strategie marketingowe w instytucjach kultury

Nawet dobry marketing w kulturze może okazać się nieefektywny, jeśli sztuka sama w sobie okaże się przedstawiać niską wartość artystyczną. Jeśli spektakl teatralny będzie na niskim poziomie to pomimo przystępnej ceny biletów i nasilonej kampanii marketingowej możliwe, że nie przyciągnie on dużej liczby widzów. Nie zawsze niski poziom spektaklu musi się wiązać ze słabą grą aktorską, ważne jest również zaplecze teatralne, kostiumy, scenografia oraz scenariusz wystawianego dzieła. Tak samo może stać się w przypadku początkującego artysty sztuk pięknych, który pomimo obiecującego talentu nie odnosi sukcesu i ma problem z rozwinięciem własnej kariery zawodowej z powodu braku odpowiedniego portfolio, grupy potencjalnych odbiorców jego sztuki i dobrze wytyczonej ścieżki rozwoju oraz problemów ze znalezieniem odpowiedniej rezydencji artystycznej. W tym wypadku ważnym staje się dla artysty consulting artystyczny i biznesowy. Tak jak w przypadku instytucji kultury, ważna jest tu odpowiednia strategia określająca wizję, a więc kierunek, w którym długofalowo ma rozwijać się dana instytucja. Chcąc odnosić sukcesy i dobre zyski sprzedażowe swoich dzieł sztuki, artysta powinien posiadać wizję rozwoju swojej kariery artystycznej, właściwe portfolio, strategię komunikacji z odbiorcami sztuki oraz instytucjami kultury, właściwe narzędzia do pracy oraz odpowiednio realizowaną kampanię medialną.

Artist Management, czyli wsparcie artysty w kreowaniu jego wizerunku 

Consulting artystyczny i biznesowy to działania z zakresu marketingu sztuki obejmującego szereg działań nakierowanych na popularyzację i zwiększenie sprzedaży dzieł sztuki oraz kreowanie profesjonalnego wizerunku artysty. Ważnym elementem tworzenia strategii dla artysty jest rozbudowanie sieci kontaktów, czyli informowanie o sztuce jak największą liczbę odbiorców w postaci bezpośrednich rozmów, przy użyciu mediów społecznościowych, własnej strony internetowej. Wyznaczenie artyście docelowej grupy odbiorców oraz poszerzanie zasięgu poprzez badania rynku, stają się ważną częścią budowania kariery artystycznej. Najbardziej widocznym aspektem strategii marketingowej są działania promocyjne, które są nastawione na komunikowanie korzyści tego co jest oferowane, umożliwiając pozyskanie nowych odbiorców. Korzyścią mogą być niezapomniane wrażenia towarzyszące wystawie lub emocje zawarte w utworze muzycznym. 

Strategie marketingowe w instytucjach kultury

Agencja medialna wykonuje działania promocyjne, które można pogrupować na cztery główne obszary: reklama, public relations, promowanie sprzedaży, personal selling oraz dodatkowy, piąty obszar, polegający na wytworzeniu przez managera artystycznego długofalowych relacji z klientami. Należy zaznaczyć jednak, że żadne działania promocyjne nie zagwarantują sukcesu, jeśli produkt jest nieatrakcyjny, niezwiązany z tematem lub niełatwy w odbiorze, natomiast jeśli akcja promocyjna jest niestarannie zaplanowana i wykonana, produkt nie dotrze do tylu odbiorców do ilu powinien. Dlatego nawet bardzo dobra kampania marketingowa może nie przynieść zamierzonego celu jeśli promowane dzieło sztuki nie jest atrakcyjne pod względem artystycznym lub kulturowym, mija się z tematem, do którego powinno nawiązywać lub jest na tyle niełatwe w odbiorze, że nie potrafi uzyskać większej liczby odbiorców.

Z drugiej strony nawet bardzo uzdolniony artysta może mieć problem z dotarciem do dużej liczby odbiorców dla swojego dzieła, jeśli akcja promocyjna nie zostanie właściwie stworzona. Tutaj należy podkreślić, że rolą agencji medialnej nie powinno być wskazywanie, jakie dzieło powinien stworzyć artysta, natomiast jest nią doradztwo w zakresie mocnych oraz słabych stron twórcy oraz przeprowadzenie badań rynku, co pozwoli określić potrzeby odbiorców.

Strategie marketingowe w instytucjach kultury

W budowania relacji oraz rozwoju własnego portfolio pomoże artyście rezydencja artystyczna (AIR, ang. Artist-in-Residence), która pozwala na wymianę doświadczeń, rozwój warsztatu artystycznego. Podczas rezydencji w galerii sztuki, artysta rozwija relacje z kuratorami, krytykami sztuki oraz innymi artystami. Miejskie rezydencje artystyczne pozwalają również na działania ze społecznością lokalną w ramach community partnership współtworząc tym samym tożsamość danego miasta. Udział artysty w rezydencjach artystycznych może korzystnie wpłynąć na karierę artystyczną. Rezydencja artystyczna zapewnia przestrzeń, narzędzia oraz materiały do stworzenia dzieła lub projektu artystycznego poprawiając tym samym wizerunek artysty i wzbogacając jego portfolio. Oferta rezydencji artystycznych jest ogromna, dlatego podczas długofalowej współpracy agencja medialna może stworzyć dla artysty odpowiednie działania mające na celu dobór odpowiedniej rezydencji. Poprzez rezydencje artystyczne zwiększa się mobilność artysty, który czerpie inspiracje i często stawia się w nowym kontekście kulturowym ze względu na to, że dla artystów rezydencja artystyczna może wiązać się z wyjazdem za granicę. Wymiana kulturowa jest korzystna zarówno dla artystów jak i instytucji kultury, które coraz częściej decydują się na stworzenie rezydencji artystycznych jako wypełnienie misji własnej strategii marketingowej i dopełnienie wizji działania w szerszym kontekście kulturowym, stawiając na długofalowy rozwój.  

Strategie marketingowe w instytucjach kultury

Sztuka i Media, czyli wejście w nowoczesność

Sztuka istnieje nie tylko materialnie, ale również posiada swoją niematerialną, cyfrową obecność w przestrzeni internetowej. Dzięki coraz nowszym technologiom muzea i galerie sztuki mogą stworzyć wirtualny spacer po wystawie, który zainteresuje wszystkich miłośników sztuki. Dzięki tej technologii marketing kultury i artist management może zyskać nowy, ciekawszy wymiar angażując najnowocześniejsze środki przekazu do promocji twórcy i jego dzieł sztuki.

Artysta może użyć wirtualnego spaceru po własnej wystawie i zamieścić ją mediach społecznościowych lub na własnej stronie internetowej wzbogacając tym samym swoje portfolio i docierając do grupy odbiorców szczególnie nastawionej na najnowocześniejsze środki przekazu. Wystawa online staje się przestrzenią bez ograniczeń czasowych i przestrzennych. Wirtualny spacer staje się świetnym rozwiązaniem do archiwizacji, możliwości odtworzenia wcześniejszych wystaw, marketingu dzieł sztuki oraz promocji wydarzeń artystycznych. Artysta i jego sztuka obecna w mediach staje się wypełnieniem nowoczesnej strategii marketingowej.